Dans l’oeil du photographe

Les Archives départementales de Loire-Atlantique présente depuis déjà plusieurs semaines une exposition consacrée à trois photographes amateurs nantais du tournant du XXe siècle : Edouard Say (1850-1905), Adolphe Moitié (1851-1934) et Georges Hailaust (1870-1953).

A partir de tirages numériques, l’exposition offre la possibilité de découvrir en grand format un échantillon de leurs productions respectives, avec en particulier des vues stéréoscopiques. L’ensemble de ces fonds numérisés est également accessible sur écran et ouvert aux contributions documentaires du public.

En complément, un numéro spécial de la revue Liens d’archives, daté de septembre 2013.

A voir aux Archives départementales, 6 rue Bouillé, à Nantes, jusqu’au 28 février 2014.

Des professionnels spécialisés

Les photographes professionnels se montrent généralement très sensibles sur la question de la concurrence exercée par les amateurs et beaucoup en voient la manifestation la plus frappante dans le flot d’images disponibles sur internet, particulièrement des clichés qu’il est possible d’acheter à bas prix dans les catalogues des microstocks. L’afflux d’images disponibles pour trois fois rien est indéniable, de même que l’utilisation qui en est faite par d’innombrables acteurs économiques qui se passent ainsi des services de professionnels de la photographie. Mais la contribution des amateurs à cette offre pléthorique est nettement moins évidente.

Je me suis livré à une première exploration de l’origine de ces photos à partir du site de Fotolia, en me focalisant sur leur présentation des images qu’ils ont le plus vendues depuis la création du site. Ce n’est qu’une première approche, purement indicative, mais ce qu’elle révèle me semble assez clair.

Ces 28 images ont été réalisés par 19 auteurs différents. Hormis leur nationalité, je n’ai trouvé aucune information pour seulement deux d’entre eux. Sur les 17 autres, il n’y a qu’un seul amateur ; encore s’agit-il d’un amateur particulièrement médiatique, une vedette du web : Simon Coste, « 14 ans, geek et photographe amateur ». Tous les autres sont indéniablement des professionnels ou, du moins, des producteurs réguliers d’images pour la vente sur internet. Ainsi Kzenon, un Munichois qui se définit comme « microstock photographer », a une formation d’avocat, a écrit plusieurs livres et tient à indiquer qu’il ne réalise aucune photographie commerciale en dehors de ses clichés pour microstocks. Cette précision ne fait pas de lui un amateur pour autant.

Beaucoup ont un site personnel ou tiennent un blog. Leur identification créative oscille entre le design, le graphisme, la vidéo et la création artistique. Plusieurs semblent être des spécialistes du genre : leurs images sont dans le catalogue des principaux microstocks, où leurs chiffres de ventes leur valent même des distinctions, comme par exemple « Bronze » ou « Diamond Contributor » sur iStockphoto (ce qui correspond à plus de 25 000 téléchargements d’images). On trouve dans le lot une figure qui semble incontournable : Yuri Arcurs, un Danois auto-proclamé « The World’s Top Selling Stock Photographer ». Il fait travailler une équipe de 20 personnes au Danemark et une autre de 80 personnes au Cap, en Afrique du Sud.

Mes premiers comptages à partir d’autres pages de bestsellers de Fotolia font apparaître une forte représentation de la Russie et des pays de l’ex-Union soviétique, ou encore d’Europe centrale. L’Europe occidentale est minoritaire. On trouve également des professionnels de l’Inde, de Chine ou d’Israël.

Cette première exploration donne donc à voir un monde éclaté de professionnels, pas forcément spécialisés dans la photographie, qui produisent à grande échelle pour le marché mondial des microstocks. Dans son dossier de presse 2012, Fotolia affirme que « 75% des contenus proposés proviennent de contributeurs confirmés disposant d’un portfolio de plus de 500 fichiers » ; les deux exemples fournis de contributeurs sont ceux de deux photographes professionnels français.

Il faudrait bien sûr pouvoir évaluer quelle proportion des ventes revient à ces professionnels par rapport à celle dont bénéficient certainement des amateurs qui déposent eux aussi leur clichés sur ces banques en ligne. Mais le nombre d’images, qui se compte à chaque fois par millions, dissuade d’entreprendre un tel comptage.

Je terminerai en citant les inquiétudes du fameux Yuri Arcurs, qui constate, comme beaucoup d’autres, que les ventes baissent d’année en année sur ce marché qui donne donc des signes de saturation. Et d’en conclure à la nécessité d’un retour aux « fondamentaux de la photographie », à rebours des photos trop clean et retouchées : « As all active microstock photographers must have noticed, we have seen a constant decrease in sales in terms of our return per image over the last few years. It’s becoming increasingly difficult to shoot great images and profit from it in the same way as it was 5 or 6 years ago. Many critics have claimed that the microstock industry is almost entirely devoid of artistic sensitivity, and is instead only concerned with making an easy profit. But surprisingly, this harsh criticism seems to have had a positive effect on the industry as a whole, because although the return per image has decreased a lot, I have also witnessed an interesting tendency: To make sales now, it’s  about getting back to the roots of photography. More artistic, less processed images, and a more naturalistic style, which I, personally, fully endorse. It’s great to see some more artistic and natural images making their way up on the “most downloaded” lists as opposed to the more conventional microstock images that are always overly retouched, overly bright and overly clean. »

Des questionnements de professionnel s’il en est.

Voir ici pour d’autres billets sur la profession de photographe.

Académies

Images du congrès 2012 de la Fédération photographique de France. Capture d'écran du site de la FPF

Les propos d’un responsable de clubs photo rencontré récemment entrent étonnamment en résonance avec ceux que tiennent nombre d’enseignants d’écoles de photographie, particulièrement ceux qui défendent une approche créative.

Selon lui, la principale révolution provoquée par le numérique dans les clubs photo serait l’arrivée d’un nouveau public tout à fait différent : « Avant, arrivaient au club photo des gens qui venaient pour travailler leurs clichés, avec une vision personnelle. Pas d’auteur, encore, mais avec une vision personnelle », et surtout la « certitude qu’ils n’y connaissaient rien. Il fallait qu’ils apprennent tout. Souvent, toutefois, un minimum de culture photographique. » Depuis 4-5 ans, « arrivent dans les clubs des gens qui ont cassé un peu la tirelire pour acheter un appareil photo. Amateurs déjà, ils font des photos, voient des photos sur tout un tas de sites internet, trouvent leurs images absolument intéressantes et ont envie d’entrer dans un club photo pour, pourquoi pas, réussir de belles images, exposer, en faire quelque chose professionnellement, voire en vendre. Ils arrivent dans les clubs persuadés que ce qu’ils font est intéressant. Et là, c’est très difficile parce qu’on est avec des gens qui ont fait ça comme ils auraient fait ping-pong, football ou autre chose. Aucune culture photographique, aucune gestion de rien, même de la profondeur de champ, de flou, de luminosité… Toutes ces questions-là leur sont inconnues. Et ils peuvent se retrouver dans la première année d’un club un peu dépassés par les exigences qui sont celles de la production d’images. Ils confrontent là leurs images avec celles de copains qui eux bossent depuis un peu plus longtemps, et donc il y a pas mal d’abandons. Des démissions, on connaissait, il y a toujours eu des fluctuations dans les groupes, mais pas à ce rythme-là. »

Du côté des écoles de photographie, la déception, voire le découragement sont également pointés chez les étudiants qui se fieraient trop facilement aux performances techniques de leurs appareils censés garantir la qualité de leurs images. Leurs enseignants en viennent à regretter ce luxe technologique qui rend plus difficilement recevable leur pédagogie du temps long et besogneux de la finition. « Avec le numérique, on a un partenaire technologique auquel on fait trop confiance à mon avis », insiste l’un de ces enseignants, avant d’ajouter : « Eux, moi pas. Moi, je ne fais pas confiance, je vérifie. »

Le parti-pris des écoles comme Arles, les Arts déco, Louis Lumière ou encore les Gobelins de conserver un enseignement des techniques argentiques vise en particulier à lutter contre le risque de « se faire dépasser par l’outil » numérique qui permet d’opérer des transformations radicales en un laps de temps très court. « Le laboratoire analogique permet d’avoir du temps entre le moment où on décide d’un geste technique et le moment où on a le résultat correspondant à ce geste, et d’appréhender s’il a été pertinent ou pas. On peut lutter ainsi contre la vitesse intrinsèque de l’étudiant de base, qui est également celle de l’outil numérique. »

L’autre point de convergence entre les clubs photo et les écoles spécialisées, c’est la préservation des techniques propres à la photographie noir et blanc argentique. Il n’y a plus guère, en effet, que dans les uns et les autres que l’on puisse accéder à des laboratoires équipés et bénéficier de formateurs compétents. D’ailleurs – autre point commun significatif -, les clubs et les écoles renouent avec les procédés anciens ou alternatifs, en combinant le traitement numérique avec des techniques et supports traditionnels. Le fait que les clubs photo aient été orientés à 95 % vers le noir et blanc avant l’irruption du numérique en fait des sortes de conservatoires techniques, au même titre que les écoles.  Ils constituent souvent un premier lieu d’apprentissage pour des jeunes qui intègrent ensuite une formation spécialisée.

Il n’est pas étonnant, dans ces conditions, que les responsables des clubs et les enseignants partagent souvent une même culture exigeante de la production photographique, cultivent chacun à leur manière une certaine forme d’élitisme, alimentée par une défiance vis-à-vis de l’emprise des écrans. Certains des nouveaux-venus dans les clubs ont déjà mis en ligne quelques-unes de leurs photos, souvent sur des sites dédiés à certaines marques de matériel où ils ont recueilli des avis bienveillants. Alors que, selon ce même responsable, « ça ne passerait jamais dans un club. Ce n’est pas parce que la petite fille a un joli sourire que ça va faire une image. »

Les écoles forment de futurs professionnels, tandis que les clubs photo s’adressent aux amateurs, mais des amateurs qui se veulent « éclairés », « cultivés », pas simplement des techniciens. En privilégiant ceux qui se posent des questions « de création », ils se situent à leur manière dans la même logique que les écoles patentées. Dans ces deux sphères, que tout oppose par ailleurs, règne le même mélange d’attirance et de répulsion pour le numérique, en même temps qu’un attachement fort, organisé, à la culture argentique de la photographie.

Appareils devant caméras

Capture d'écran du site

http://www.pluzz.fr/france2

Dimanche soir, le journal télévisé de France 2 a consacré un reportage à l’incendie spectaculaire qui venait de détruire dans la nuit un entrepôt de garde meubles à Gagny. Après une série d’images et de commentaires sur l’ampleur du sinistre, l’intérêt des journalistes s’est tourné vers les riverains dont ils filmèrent rapidement les habitations. « A moins de 50 mètres, les premières maisons, elles, ont été préservées. » Il s’ensuivit une séquence d’interview au cours de laquelle on apprit que « les habitants ont pris des photos, réveillés par le bruit de l’incendie. » L’un deux montra à la caméra l’écran de son appareil photo sur lequel il faisait défiler deux clichés. « C’est ce que j’ai vu de chez moi, déclara-t-il, tenant toujours son appareil dans la main, et on sentait la chaleur de là-bas. C’était impressionnant. »

Depuis l’origine de la photographie, les incendies ont été très souvent photographiés parce qu’ils étaient particulièrement photogéniques et, de surcroît, qu’ils produisaient une intense lumière apte à impressionner même la plaque très peu sensible d’un daguerréotype de 1853. Aujourd’hui encore, l’effet spectaculaire est garanti, surtout s’il est exempt de danger.

George N. Barnard, Incendie des moulins d'Oswego, État de New-York, 1853 (daguerréotype colorié)

Dans ce reportage, le caméraman de France 2 et les voisins-photographes ont fait en quelque sorte assaut d’images, les seconds se sentant autorisés à témoigner parce qu’ils pouvaient exhiber les preuves visuelles de ce qu’ils avaient vu devant ces journalistes arrivés sur les lieux après-coup. Mais cette exhibition de photos fonctionne également comme un élément narratif au sein du reportage. Sur le même mode, certaines chaînes d’information en continu commentent à l’antenne les photos que, à leur demande, des téléspectateurs leur ont envoyées pour donner leur vision de tel ou tel sujet d’actualité (chutes de neige ou intempéries, par exemple).

Donc un conseil : si vous voulez mettre toutes les chances de votre côté pour passer au JT, complétez votre témoignage par des photos prêtes à être montrées. Un minimum d’éditing préalable peut même être recommandé…

Le jugement des amateurs

Un récent arrêt de la Cour de cassation suscite l’émotion des photographes professionnels car il remet en cause l’assimilation de la photographie à une « œuvre de l’esprit », qui lui permet d’être protégée par le Code de la propriété intellectuelle. Je ne compte pas entrer ici dans le détail juridique de l’affaire. Ce qui me frappe, c’est que le juge qui a contesté l’originalité de la photographie concernée n’y a pas vu, comme le défendait son auteur, une image dûment composée et mise en œuvre par un professionnel de l’image, mais tout bonnement « deux poissons dans une assiette provençale ». En d’autre termes, un simple reflet de la réalité, sans aucun artifice. Le photographe débouté attribue ce revers juridique au fait que le juge ne connaîtrait rien à la photographie : « C’est un spécialiste du vélo ».

Cette situation d’incompréhension fait écho à quantité d’autres, plus discrètes, sans portée juridique, mais non sans retombées concrètes, dans lesquelles les photographes professionnels voient leur production visuelle soumise à l’appréciation de non professionnels. La situation la plus courante est celle de la commande : une entreprise, une collectivité locale sollicitent un photographe pour réaliser des visuels de communication. Les images produites sont appréciées par le responsable du service de com, s’il y en a un, le directeur général, voire le patron lui-même, entre deux réunions, des coups de fils et le survol rapide de nombreux mails dans le flot desquels émerge difficilement celui du photographe. « La grosse perversité du mail, explique ce photographe publicitaire, c’est que ce sont des images dégradées qu’on envoie, en basse définition », alors que leurs fichiers font entre 100 et 100 Mo en capture. Les clients vont juger les images sur des écrans non étalonnés, « avec des couleurs dégueulasses. En général… pourtant des clients avec qui on bosse depuis des années : ‘Oh, la couleur là, ça ne va pas. Mon meuble !’ »

Autre facteur de complication, selon ce même photographe : « Tous ceux qui passent dans leur bureau, tout le monde donne son avis. » On touche là un point de clivage : les photographes professionnels sont jugés par des amateurs.

C’est un leitmotiv chez les professionnels : les dernières décennies auraient vu disparaître les interlocuteurs qui s’y connaissaient en photographie au profit de gestionnaires seulement préoccupés de faire baisser les coûts. Le mythe du commanditaire féru de photographie est probablement à relativiser, mais il est certain qu’aujourd’hui tout le monde se pique de savoir que quoi il retourne parce que tout le monde prend des photos avec son appareil numérique, voire les retouche sur son ordinateur. « Ce n’est pas que de la mauvaise volonté des clients. C’est qu’ils ne comprennent pas. Parce que le week-end, ils ont fait des photos de leurs gamins et que ‘sur Photoshop, pour leur retirer le bouton sur le nez, ça m’a pris deux secondes’, et que voilà. »

La généralisation du numérique a banalisé des opérations de retouche qui auparavant étaient clairement l’apanage des professionnels. La prise de vue devient un acte banal, qui s’étend bien au-delà des traditionnelles photos de famille. Chacun peut se vanter d’avoir réussi quelques belles photos, même les gestionnaires les plus à cheval sur l’équilibre de leurs comptes. Bref, l’expertise photographique serait désormais à la portée de tout le monde. Les professionnels ressentent directement les effets de cette forme très répandue d’auto-conviction. Sans peut-être l’avoir vu venir, ils se retrouvent dans une situation inversée : au lieu qu’ils soient, eux, les juges de la production des amateurs (comme c’est toujours le cas dans les concours photos), ils voient à présent leurs images jugées par des amateurs qui ont le pouvoir de les valider ou non.

On peut imaginer bien sûr que la pratique photographique, alliée à la consommation des images que déversent en permanence les médias et la publicité, contribuera à enrichir la culture de l’image des amateurs et les rendra du même coup plus sensibles au « métier » des professionnels. Mais pour ces derniers, la question devient surtout de savoir comment faire valoir leur compétence spécifique, leur professionnalisme, à travers des images que tant d’amateurs pensent pouvoir réussir aussi bien. Les juges y compris.

Autres billets autour de la profession photographique.

Professionnels/Non professionnels

Après correction de la balance des blancs par Thierry Dehesdin

Exposition vue au laboratoire Dupon, le 13 juillet 2011 : il s’agissait de la présentation des photographies primées dans le cadre d’un concours européen lancé par l’entreprise Eurazeo.

C’était la première fois que je voyais formalisée ainsi la distinction entre les lauréats professionnels et non professionnels, qui d’ordinaire n’apparaît pas dans les concours ouverts à tous. Même si l’ouverture aux « non professionnels » ne garantit pas forcément que ces derniers ressortent en bonne place à l’issue de la sélection finale.

Pratiques argentiques en régime numérique

J’ai eu le plaisir cette année de piloter à distance la recherche effectuée par une étudiante russe, Oxana Gilyuk, dans le cadre du Master 1 de sociologie qu’elle préparait au Collège universitaire français de Saint-Pétersbourg. Elle avait choisi de s’intéresser aux photographes avertis qui continuaient à utiliser l’argentique, voire, pour certains, qui y revenaient. La qualité de son enquête, servie par un français remarquable, m’incite à en présenter ici un extrait1 :

Vassily SKVORTSOV

À partir de vingt entretiens approfondis menés à Saint-Pétersbourg auprès de photographes professionnels et amateurs éclairés, j’examine sous quelles conditions la pratique argentique perdure et sous quelles formes elle réapparaît.

J’ai pu constater en particulier que la pratique argentique et la pratique numérique ne s’excluaient pas : les enquêtés, c’est un point essentiel, alternent le plus souvent les deux pratiques. Il existe donc plusieurs logiques de pratique chez la même personne, ce qui laisse supposer une identité plurielle du photographe, capable de choisir telle ou telle technique en fonction de son objectif concret et de son « état d’esprit » :

« Je crois que tout dépend du photographe, de ce qu’il se donne comme objectif. Il a tout  un arsenal de techniques et il peut choisir. Comme un graveur qui choisit l’instrument qui convient le mieux pour telle ou telle matière. » (Olga, photographe reporter, 44 ans).

1) Le plus souvent, les photographes, engagés d’une façon ou d’une autre dans la photographie comme métier qui procure des revenus, perçoivent le numérique comme la partie « commerciale » de leur activité photographique et l’argentique comme « artistique » ou « pour soi-même » :

« Le numérique, c’est pour le travail. Mais des trucs artistiques, quelque chose d’extra, c’est de la pellicule. (…) On ne travaille plus avec la pellicule, mais on crée. » (Michaïl, photographe reporter, 28 ans)
« Moi, j’ai trouvé une formule idéale : le numérique, c’est pour le travail, l’argentique, c’est pour le plaisir. » (Sacha, designer graphiste, 32 ans)

« Maintenant, je fais beaucoup d’argentique. Pas pour l’argent bien sûr. La pellicule, ce sont des choses d’exposition. (…) Il y a des sujets que je ne vais pas photographier en numérique. » (Aliona, architecte, photographe, 29 ans).

2) D’autres, comme Éva (29 ans, fille unique d’une famille artistique reconnue, qui se dit artiste photographe et qui est très influencée par les courants artistiques contemporains), combinent les usages du numérique, pour « la photographie plasticienne » – positionnée d’emblée dans le champ de l’art contemporain, qui relève non pas du « beau », mais du « visuel », conçue non pas comme « un atelier de peintre, mais comme un « laboratoire », où la photographie demeure « un des moyens de s’exprimer » – et de l’argentique, qu’ils considèrent dans ce cas comme « la pure photographie », « la photographie créative », qui renvoie à l’art classique, « originaire ».

Olga YAKUSHENKO

3) Certains photographes amateurs apprécient le numérique dans la vie quotidienne : « Il faut être complètement fou pour photographier une party d’anniversaire sur la pellicule » (Olga, étudiante en histoire, 23 ans) ; mais se réservent la pratique argentique comme une « méditation », qui demande un « autre état d’âme » et ne marche pas  « en vacances, en voyage organisé » lorsque « tout le monde autour de toi mitraille » (Luba, manager, environ 50 ans).

4) D’autres encore, parmi mes enquêtés – dont l’une est une irréductible de l’argentique, pratiquant, de plus, la photographie argentique avec de la pellicule noir et blanc infra-rouge –, trouvent finalement un avantage au numérique et l’« utilisent » pour contrôler la prise de vue sur la pellicule :

« Le numérique est un moyen d’enregistrer de l’info visuelle… Pour l’utilisation intermédiaire. Là, le numérique marche très bien. […] J’essaie la prise de vue avec ça, […] je vois le résultat et je prends tout de suite une photo sur la pellicule. » (Dmitriy, photographe, vendeur dans un magasin de la technique photo argentique d’occasion, 40 ans).

Svetlana (étudiante en photographie, 18 ans) a elle aussi un usage auxiliaire du numérique bien que le contexte de sa pratique soit différent : étudiante de la faculté de la photographie où la maîtrise de la photographie argentique est obligatoire, elle a découvert l’argentique dans le cadre de sa formation, mais utilise toujours un appareil numérique pour préparer la prise de vue et « ne pas gâcher la pellicule pour rien ».

5) Enfin, il existe des personnes qui semblent pratiquer argentique et numérique sur un pied d’égalité, en fonction des conditions concrètes de prise de vue. Dans le cas de Maxime par exemple (étudiant en design, animateur dans un club photo pour les enfants, 24 ans), on peut parler de va-et-vient entre l’argentique et le numérique, « pour changer quoi ». Pour Alexandre, (critique d’art, photographe d’art, 54 ans), le recours au numérique n’est pas toujours justifié ; il voit surtout la technique argentique comme une bonne alternative pour ceux qui n’ont pas les moyens d’acquérir un appareil photo numérique de qualité :

« La technique numérique est capricieuse. Ça craint de l’humidité, n’aime pas la poussière, les capteurs. En plus, elle est fabriquée pour une certaine durée, comme tout maintenant… Et si tu travailles, par exemple, avec le dos numérique Hasselblad c’est toujours lié avec l’ordinateur, tu ne vas pas courir dans la rue avec cet appareil-là, qui, de plus, coûte extrêmement cher. […] Le numérique de qualité est hors de la portée de la grande majorité de ceux qui s’appellent photographes. Ils se contentent des appareils photo amateurs, capteur crop, voilà… Et si par exemple un étudiant en photographie ne peut pas acheter un bon numérique plein format, il achète un bon vieux reflex argentique, un Nikon, par exemple, qui coûte presque rien mais qui lui permet de faire des photos […] de qualité exposition. »

Certains interviewés, d’ailleurs, ont délaissé le procédé argentique, mais sans exclure d’y revenir (Nikita, photographe d’art, 21 ans) : ils se disent « nostalgiques », conservent leurs appareils photo argentiques et ont, « de temps en temps », « une grande envie » de revenir à la pratique argentique car « malgré tout, la photo argentique, c’est autre chose », comme « le son analogique » (Vladimir, disquaire, 39 ans).

Luba GORMINA

Pour Natalia, (enseignante, photographe d’art, 47 ans), le retour à l’argentique serait possible dans le cadre d’un projet artistique spécifique :

« Je ne fais plus d’argentique, mais j’ai un projet lié à la photographie argentique et un jour je le réaliserai. Maintenant, je recueille des anciennes pellicules, les miennes, celles de ma famille, toutes celles qui se sont conservées. Je vais les tirer à la main, peut-être d’une manière spéciale, je ne sais pas encore. Ce n’est qu’une idée, mais ça m’intéresse. J’ai un pied dans l’argentique, c’est ma vie, mon histoire. C’est l’histoire qui m’intéresse dans ce projet… Regarder l’histoire par la photographie… Pour cette idée, l’argentique convient bien. Une autre idée, un autre moyen, vous voyez ce que je veux dire ? »

On peut dire ainsi que le multi-usage, la cohabitation des pratiques argentiques et numériques deviennent la règle, ce qui gomme de fait l’impression d’antagonisme qu’expriment souvent les représentations des enquêtés. La grande majorité des personnes interrogées dans le cadre de cette enquête affirme que les technologies numériques sont utiles pour les usages quotidien et professionnel, comme le photojournalisme, la publicité, la mode, la photographie de commande, etc. La pratique argentique, de son côté, subsiste comme pratique artistique qui ne profane pas les conventions classiques de l’œuvre d’art : la rareté, le fait-à-la-main, l’intervention directe de l’artiste, le travail lui-même comme effort et contrainte, vu comme gage de qualité :

« L’argentique exige plus de main-d’œuvre. C’est tout un art et il faut s’y adonner. Le numérique, c’est moins sérieux. L’argentique vous résiste, vous comprenez. Ce n’est pas si facile de le maîtriser. C’est assez laborieux, ça demande du temps, des efforts. C’est de l’art. » (Svetlana, étudiante en photographie, 18 ans).

C’est une photographie qui ne s’accomplit pas dans l’urgence mais, au contraire, nécessite une réflexion, un choix conscient. Elle se replie sur « la photographie » elle-même, sur ce qu’elle serait seule à pouvoir faire, ce qu’elle aurait de plus spécifique par rapport à d’autres techniques, et particulièrement par rapport à la « numérographie » (Alexandre, photographe titulaire dans le Centre d’État de la Photographie Contemporaine « ROSPHOTO », 57 ans), à l’« ordi-graphie » (Éva, photographe d’art, 29 ans) qui, au mieux, passe pour « de l’art contemporain ».

Enfin, la photographie argentique n’est plus une pratique quotidienne de masse, mais une pratique d’exception :

« On mange normalement du fast food, vous comprenez. Mais ça ne veut pas dire qu’on ne comprend pas la différence entre un resto Mac Donald’s et un bon restaurant gourmet. » (Andrey, électricien, 34 ans).

La destination des images argentiques est essentiellement l’exposition ou la photographie amateur, qui se valent dans une certaine mesure faute d’un véritable marché de la photographie artistique en Russie.

Il se crée ainsi une niche à vocation minoritaire, tout comme d’autres techniques anciennes de représentation du monde. L’argentique devient une pratique de luxe, d’abondance et tout à la fois d’ascétisme désintéressé, au nom de la pureté du médium photographique et en dépit de l’absence de demande immédiate :

« Je crois que la pellicule ne disparaîtra pas, mais son avenir est comme celui de la peinture classique. Il est extrêmement cher de faire de la peinture aujourd’hui. Ça exige un long apprentissage. En plus, ce n’est pas super demandé… Comme la majolique, une technique très particulière… Ou mieux, la pratique de la fresque… Elle trouve son refuge, mais manque de commandes, c’est sûr. Il n’y a pas beaucoup de gens qui l’apprécient, quelques-uns seulement. » (Aliona, architecte, photographe, 29 ans).

Dimitriy ALEXEEV

En outre, depuis l’arrivée du numérique, la pratique argentique est en train de se transformer en intégrant des « éléments » numériques. On peut, par exemple, scanner les films, ce qui réduit en fait la pratique argentique à la prise de vue et permet de souligner, entre autre, que la distinction écran/papier traverse la distinction argentique/numérique. Pour les plus jeunes des interrogés, le scanner la pellicule permet un traitement plus opératoire d’une photographie et surtout sa diffusion plus commode. Il remplace parfois totalement le transfert sur papier :  ils ne tirent que pour les expositions qui exigent le format papier (Éva, photographe d’art, 29 ans) ou bien ne tirent jamais (Olga, étudiante en histoire, 23 ans).

Il existe encore d’autres formes d’hybridation entre les deux techniques. La plus « légère » est l’utilisation des objectifs interchangeables : comme chez Vassiliy (photographe dans un théâtre, 37 ans) qui utilise l’optique de son Canon argentique sur un boîtier Canon numérique. Un autre interviewé, lui, apprécie les objectifs soviétiques :

« Lorsque l’on utilise l’objectif d’un appareil photo argentique, on prend des photos différentes de celles qui sont prises avec un objectif numérique. On obtient des tons plus chauds. Il y a une certaine ressemblance avec la photo argentique. J’ai un objectif soviétique Gelius. J’ai acheté sur internet un adaptateur qui permet de relier cet objectif à mon Canon. » (Vladimir, disquaire, 39 ans).

Maxime, qui essaie d’appliquer le tirage classique (contact) à ses « négatifs » numériques, offre encore un exemple intéressant d’association des médiums :

« Tout simplement, j’ai rencontré un artiste-peintre qui faisait du tirage de photos en gélatine. Il étend sur une toile une couche de solution spécifique de gélatine, puis il met un grand négatif directement sur la toile. Il l’expose à la lumière du jour pendant assez longtemps, et comme résultat, grâce à la texture de la gélatine, il obtient une image très spéciale. Comme ça part quand même d’une image photo, on peut dire que c’est aussi de la photographie. Et moi, j’ai pensé : pourquoi ne pas faire la même chose sur du papier ? Alors j’ai fait un essai. Dans un labo, j’ai fait faire quelques grands négatifs (au format A4) à partir de mes photos numériques et je les ai transférés sur du papier. Dans ce cas-là, on n’a pas besoin d’agrandisseur, on peut utiliser n’importe quelle source de lumière, une lampe de poche, et on arrive finalement à un effet pictural assez intéressant. » (Maxime, étudiant en design, animateur dans un club photo pour les enfants, 24 ans).

On peut dire de cette pratique intermédiaire entre argentique et numérique qu’elle est soit de l’argentique « numérisé », soit du numérique « argentisé » :

« Je connais une photographe qui fait de l’argentique, puis elle scanne les films, traite les images numériques, les imprime sur papier transparent, coupe le cadre, le met dans l’agrandisseur et tire ensuite d’une manière classique… Je ne sais pas pourquoi elle fait ça, elle aime Photoshop peut-être [rire]… Et encore une autre, qui est allergique à la chimie, elle ne fait plus du tout de tirage, mais scanne les films, les adapte au tirage et les fait tirer sous agrandisseur dans un labo. » (Luba, manager, environ 50 ans).

Ces différentes manières d’hybrider les deux techniques laissent penser que, dans le futur, les deux pratiques pourraient peut-être converger. Mais on peut tout aussi bien supposer qu’elles vont s’éloigner de plus en plus l’une de l’autre.

Face au déclin de l’industrie argentique, les personnes interrogées réfléchissent à l’avenir de la photographie argentique. Pour certains, celle-ci n’a plus guère d’atouts et ils ont conscience des difficultés croissantes. Pour d’autres, comme Dmitriy (photographe, vendeur au magasin de la technique photo argentique d’occasion, 40 ans), « la situation n’est pas grave, elle est même favorable à ceux qui veulent faire de l’argentique» : l’offre et la demande arrivent à s’orchestrer.

D’ailleurs, il y a différentes possibilités de « se débrouiller » : à partir des produits chimiques bricolés et de la pellicule soviétique « défectueuse », souvent avec la date de péremption dépassée, « pour expérimenter » (Olga, étudiante en histoire, 23 ans), jusqu’aux appareils photo en boîte d’allumettes :

« Je ne sais pas comment ça se passe en province, mais à Saint-Pétersbourg on peut toujours acheter tout : la pellicule, le papier. Avec la chimie, on se débrouille aussi. On peut même en acheter en poudre. Je connais un photographe qui révèle les films avec du café… si, si… Jacobs Monarch soluble, plus de la soude. L’action est moins rapide, il faut donc révéler pendant plus longtemps, mais les photos sont bien, je vous assure, tout à fait comme avec un révélateur classique… De plus, j’ai entendu parler de certains qui se servent du sel marin comme fixateur. Vous voyez, surtout pour le noir et blanc, la chimie ne pose pas de problème… Quant aux appareils photo, il existe enfin la pinhole photography : on peut photographier avec une boîte d’allumettes… » (Sacha, designer graphiste, 32 ans).

Ainsi, la pratique de la photo argentique a été bouleversée par l’arrivée du numérique au point d’avoir changé en elle-même. Son avenir est incertain et cet état de fait ne laisse pas d’inquiéter les photographes argentiques qui trouvent tout de même des moyens d’entretenir leur pratique et croient qu’« après toute révolution, il y a une restauration » (Alexandre, critique d’art, photographe d’art, 54 ans).

Maxime TOMAREV

Quoi qu’il en soit, le terrain est vaste. On ne saurait prétendre épuiser la question, ni présenter ici une étude achevée aboutissant à des conclusions indiscutables, compte tenu, d’ailleurs, de la relativité des données acquises et des interprétations effectuées, mais simplement ouvrir des pistes de réflexion et de recherche sur l’état actuel des pratiques photographiques. Il serait intéressant de contraster ces résultats avec une enquête analogue conduite en France. On pourrait ainsi se demander dans quelle mesure la persistance de la pratique argentique dépend du contexte culturel national, et aussi du contexte institutionnel ou économique. Par exemple, il est possible qu’en Russie le rôle des institutions en matière de pratiques artistiques soit moins prononcé qu’en France, et cela pourrait influencer la perception de la pratique argentique. Mais ce n’est qu’une direction de recherche parmi plusieurs possibles.

  1. Oxana Gilyuk, La photographie argentique comme pratique distinctive : analyse des pratiques amateurs et de leurs représentations, mémoire de Master 1 de sociologie, Collège universitaire français de Saint-Pétersbourg, 2011. []

Publicité d'amateurs

Voici une marque de chaussures qui fait sa publicité à travers les expériences personnelles de ses clients. Ou plutôt qui donne à croire que sa publicité ne serait rien d’autre que la somme des témoignages vécus de ses clients, restitués à travers leurs photos d’amateurs : autoportraits, scènes de leur vie personnelle, avec ou sans lesdites chaussures.

Le style visuel de cette publicité est entièrement conçu pour renforcer cette impression d’amateurisme, gage d’authenticité, de sincérité, de témoignage brut : des photos cadrées à la diable, floues, ratées, comme peuvent l’être tant d’instantanés ; jusqu’au télescopage des clichés dans le coin inférieur de la vitrine, à la manière des photos que l’on insère dans le cadre d’un miroir ou que l’on concentre dans des pêle-mêle.

Le style-photographie-d’amateur joue ici comme une métaphore du point de vue personnel (« chacun raconte sa propre histoire ») et interpelle le chaland sur le même mode, hyper-individualisé : « Whats yours ? »

Bel exemple d’extension, de récupération de l’esthétique des amateurs (puisqu’il y en a bel et bien une) au-delà des usages privés.

Traces de sel

Voici un livre consacré à Léon Ottenheim (1858-1940), l’un de ces photographes amateurs grâce à qui la photographie couleur a connu ses premier procédés. Son arrière-petite-fille, Martine Lani-Bayle, professeur à l’Université de Nantes, est à l’origine de cette publication, qui rassemble de nombreuses photographies, des témoignages de plusieurs descendants du photographe, ainsi que des textes d’Eric Milet, photographe et écrivain, spécialiste du monde arabo-berbère, dans lequel Léon Ottenheim a réalisé quantités de clichés au début du XXe siècle.

Martine Lani-Bayle et Éric Milet, Traces de sel, Préface de Pierre Bergougnioux, Nantes, Editions Opéra, 2011.

La loi des grands nombres

Sous le titre : « Spécial amateurs : le plus grand concours photo du monde », la revue Photo célèbre le trentième anniversaire de son concours annuel. Elle se félicite d’avoir reçu pour l’occasion 50 000 images en provenance du monde entier. Ce grand nombre est valorisé comme le signe indéniable du succès de ce concours photo et de sa large ouverture aux amateurs : « Nos amateurs sont formidables ! Le concours fête ses 30 ans ! 50 000 photos venues de plus de 70 pays ! »

L’intérêt de ce numéro est de nous livrer les portraits des lauréats de l’an passé, ceux que la revue a distingués, ainsi que les gagnants des nombreux concours sponsorisés par diverses marques de matériel photographique et quelques fondations. Au total, 27 heureux bénéficiaires.

14 sont des photographes professionnels, 12 sont des amateurs ou, du moins, des photographes non professionnels (l’information manque pour le 27 ème). Parmi ces derniers, on compte trois habitués des concours, des expositions de photographie ou d’art. Deux sortent d’écoles d’art ou assimilées, et exercent une profession liée aux images (par exemple : web designer). Un autre est en stage dans un gros studio après avoir fait une école de photo. Autant dire que seulement 6 lauréats peuvent passer pour de véritables amateurs, pratiquant la photo comme un simple passe-temps, même passionnel.

Il faudrait se garder de tirer des conclusions définitives de ce comptage, qui porte uniquement sur le concours 2010. Il révèle néanmoins une disproportion considérable, non seulement quantitative, mais également qualitative, entre les candidats et les lauréats. Il n’est pas étonnant que ces derniers ne soient qu’une poignée : telle est la loi des concours. Mais surtout, il est frappant qu’un concours qui se vante d’attirer des milliers d’amateurs consacre avant tout des professionnels ou quasi-professionnels. Les membres des jurys de ces concours exerçant leur jugement uniquement sur les photos qui leur sont soumises, on mesure ainsi combien sont dominants les critères esthétiques qui ont cours dans la photographie professionnelle et comment ils contribuent à retenir les candidats qui s’y conforment le mieux, des professionnels tout d’abord, puis des quasi-professionnels. « La qualité de vos images est bluffante ! », s’écrient les éditorialistes de Photo en hommage à cette foule de candidats. Et pour cause…

En complément, voir mes billets sur les amateurs et l’esthétique photographique.

L'esthétique involontaire

Pour rebondir sur mon billet précédent, je mets en ligne aujourd’hui un article que j’avais écrit en 1996 au sujet de la première exposition consacrée en France à la photographie de famille. Ce fut l’occasion pour moi d’explorer comment cette pratique et cette catégorie d’images devenues si communes étaient traitées par les spécialistes de la photographie. On verra que la question de l’esthétique y était absolument centrale.

C’est un texte daté au sujet d’une exposition elle-même datée. Il aurait été intéressant de pouvoir mener une nouvelle enquête sur une manifestation beaucoup plus récente qui s’est risquée à son tour, mais dans un tout autre contexte, dominé par internet et le numérique, à exposer dans un musée de photographie la production des amateurs : Tous photographes ! La mutation de la photographie amateur à l’heure numérique, présentée en 2007 au musée de l’Élysée de Lausanne.

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La question des amateurs

Capture du site de Rue89

Tout commence avec le mail que m’adresse un photographe et lecteur avisé de Culture visuelle pour m’alerter sur un article publié sur le site de Rue89, qui se trouve illustré par une photographie trouvée sur Flickr. Cette image ayant retenu son attention, il en a cherché l’auteur qui, à son grand mécontentement, se trouve mentionné seulement tout à la fin du papier : « Victor Bezrukov, Flickr ». Il n’en faut pas plus pour qu’il y voie un symptôme de plus de la dévalorisation de la photographie dans la presse par le recours à des clichés d’amateurs.

Ce nouvel exemple de ce qu’il est convenu d’appeler la « concurrence des amateurs » fait écho à une discussion que Dominique Sagot-Duvauroux et moi-même avons eue dernièrement avec André Gunthert : de quels amateurs parlons-nous ? et tout d’abord : s’agit-il seulement d’amateurs ?

Dans le cas présent, quelques recherches sur internet permettent d’apprendre rapidement que Victor Bezrukov est tout sauf un amateur, même s’il ne semble pas non plus être un véritable professionnel de la photographie. D’origine ukrainienne, installé en Israël depuis 1993, il se présente comme un spécialiste des réseaux et de la sécurité informatiques, cultivant par ailleurs une création photographique qu’il met en valeur sur de nombreux sites, en particulier sur art limited, et à travers de multiples collaborations à travers le monde. Ses images, d’inspiration libre, affichent la maîtrise technique d’un vrai pro de la photographie. Bref, s’il ne vit pas de sa création photographique, il ne la cantonne pas à son seul plaisir personnel, mais s’applique à la faire connaître et à la valoriser. Son compte sur Flickr contribue à élargir sa surface médiatique et lui vaut donc à l’occasion des débouchés éditoriaux. La licence de ses photos est administrée par Getty Images.

A propos de Victor Bezrukov, il serait donc plus pertinent de parler de photographe non professionnel ou même de producteur non professionnel de photographies, plutôt que d’amateur, dans la mesure où seul l’exercice d’une profession non photographique le distingue d’un photographe professionnel. Rappelons d’ailleurs que nombre de noms connus dans le monde de la photographie ne vivent pas de leur art, pas plus d’ailleurs que quantité d’artistes pourtant reconnus comme tels.

Sur Flickr, l’image que vient de publier Rue89 fait partie d’un groupe intitulé : « Pictures published on Rue89 ». En recherchant dans les commentaires postés par les visiteurs du compte Flickr de Victor Bezrukov, on découvre ce message déposé quatre jours auparavant par la rédaction de Rue89 :

« Hi,

We’re a French news website called Rue89 (http://www.rue89.com) and are about to use this picture (with link and credit) to illustrate a story on our site, observing the Creative Commons conditions mentioned in this page.
If you do not want us to reproduce your work on our site, just email me us webmaster[at]rue89.com.

Congratulations for this photo. »

Il apparaît donc que Rue89 a repris cette image gratuitement, comme elle l’avait déjà fait pour les autres photographies qu’elle classe d’elle-même dans ce groupe sur Flickr (« Pictures published on Rue89 »), afin probablement de permettre aux photographes sollicités de prendre connaissance des choix esthétiques opérées par le site d’information français. Si l’on se place du point de vue des photographes professionnels qui sont à la recherche de débouchés commerciaux pour leurs propres images, il est clair qu’une telle politique d’illustration gratuite ne peut que leur apparaître, sinon comme de la concurrence déloyale (puisqu’ils n’accepteraient pas de céder leurs clichés gratuitement), du moins comme une perte de marché. Les nouveaux espaces ouverts sur internet par des sites d’information comme Rue89 ne leur offrent donc guère de possibilités nouvelles de commercialisation, puisque des producteurs non professionnels leur sont préférés au bénéfice de la gratuité de leurs images.

Au cours de notre enquête en cours sur les photographes professionnels, nous avons déjà enregistré plusieurs cas de pertes de marché dues à la production de photographies par des non professionnels. Par exemple lorsqu’une mairie, qui s’est équipé en appareils numériques pour assurer les photos d’identité nécessaires à l’établissement des passeports biométriques, trouve son intérêt à charger ses employés, notamment du service de la communication, de réaliser avec ce matériel des clichés qui iront illustrer gratuitement son site internet, voire la gazette municipale. Ou encore lorsque le conservateur d’un musée historique, parce qu’il est féru de photographie, se charge lui-même d’illustrer les divers documents nécessaires pour assurer la publicité des manifestations de son institution. Dans certaines entreprises, les cadres commerciaux se voient tenus de photographier eux-mêmes les nouvelles gammes de produits pour alimenter en continu la catalogue en ligne. Etc.

Dans tous ces cas, les photographes professionnels ne sont plus sollicités et les photos sont réalisées gratuitement par des non spécialistes qui, même s’ils le font dans le cadre de leur contrat de travail, ne sont pas rémunérés pour cette tâche spécifique. C’est pour eux un travail supplémentaire, qu’ils n’ont peut-être pas le choix de refuser. Tant mieux pour eux s’ils apprécient la photographie, tant mieux encore s’ils ont une bonne maîtrise technique, mais c’est loin d’être toujours le cas et l’économie financière semble décisive en pareil cas pour motiver la décision de se passer des services d’un photographe professionnel.

Quant à l’autre forme de détérioration du marché de la photographie dénoncée souvent par les professionnels, à savoir le recours des organes de presse à des clichés d’amateurs, il semble qu’elle ne procède pas, du moins pas souvent, d’une concurrence frontale et qu’il faille y regarder à deux fois avant de conclure que désormais tout possesseur d’un téléphone portable est un journaliste en puissance, susceptible et capable d’envoyer ses clichés sur le champ à qui de droit (agence, quotidien, télévision) pour être publié. Alors « Tous journalistes ? », pour reprendre l’interrogation d’André Gunthert.

Si l’on s’intéresse à présent aux banques d’images en ligne et tout particulièrement à celles qui proposent des clichés à bas prix, comme fotolia, sont-elles véritablement alimentées par de simples amateurs qui tenteraient leur chance en espérant, sans y compter vraiment, quelques gains financiers ? J’ai déjà cité le cas d’un photographe professionnel qui met ses photos sur fotolia pour la commodité et la modicité du service, acceptant du même coup de vendre ses images d’archive peu cher, mais misant sur l’espoir de les vendre souvent. Et, comme le faisait remarquer André Gunthert, l’examen des photos proposées sur fotolia ne donne pas l’impression d’être devant des clichés d’amateurs, mais plutôt de bons spécialistes de la technique photographique. La concurrence générée par ce type d’offre à bas prix ne serait donc pas forcément entre les professionnels et les amateurs, mais entre certains professionnels et d’autres ayant opté pour l’économie mondialisée des images d’illustration. Si elle était réalisable, une enquête approfondie sur l’origine des photos proposées sur fotolia serait la bienvenue pour éclaircir les ressorts de cette concurrence si souvent dénoncée.

Une situation particulière cadre bien – mais n’est-ce pas la seule ? – avec le sentiment, souvent exprimé par les professionnels, d’être directement concurrencés par des photographes amateurs : les mariages. Car à cette occasion, en effet, les professionnels, lorsqu’ils sont sollicités (ce n’est plus toujours le cas), se trouvent physiquement confrontés aux nombreux invités et convives qui eux aussi photographient et filment la noce. Au point parfois d’être obligés de jouer des coudes pour s’imposer. Ces photographes d’un jour sont clairement des amateurs, qui photographient pour leur plaisir, dans une logique privée. Ils méritent pour le coup pleinement le qualificatif d’amateurs.

Ce ne sont là, comme souvent, que quelques remarques provisoires. Elles pourront être complétées, voire contestées, infirmées par d’utiles compléments que je laisse à mes lecteurs le soin d’apporter.

Un droit gratuit

J’ai été surpris par ces publicités pour le site internet de 20 minutes qui sont visibles actuellement sous les abribus parisiens, avec pour slogan : « L’information est un droit ». N’ayant pas tout de suite compris que ce n’était pas le quotidien gratuit qui était vanté ici, mais son site internet, je n’ai pas non plus réalisé aussitôt que cette publicité annonçait la possibilité de lire gratuitement ce journal aussi bien sur un téléphone portable que sur un Ipad.

Qu’ai-je vu alors ? Avec en tête la récente annonce que 20 minutes venait de résilier son abonnement au fil photographique de l’AFP, trop cher aux yeux de ses responsables, j’ai interprété cette publicité comme un appel à peine voilé aux amateurs, incités à alimenter le journal en images grâce à leur téléphone portable. Dans cette logique, le droit à l’information serait par nature gratuit puisque ce seraient les lecteurs eux-mêmes qui en composeraient la matière.

Ce n’est probablement pas le message qu’ont voulu faire passer les auteurs de cette campagne. Toutefois, les visuels retenus entretiennent une ambiguïté entre le téléphone portable comme émetteur ou récepteur des images qui n’est probablement pas faite pour rassurer les professionnels du photo-reportage, nombreux à dénoncer la concurrence, réelle ou chimérique, des amateurs.

Le mode macro

Elle – Pendant les vacances, on a vu une mante religieuse. Deux, même. (souvenir)

Lui – T’as pris une photo ? (automatisme)

Elle – Non. Enfin si, mais comme j’avais pas activé le mode macro, elle est ratée. (amateure)

Lui – C’est pourtant pas difficile de savoir comment faire des photos en macro. (professionnel)

Elle – Eh bien, t’avais qu’à être là ! (excédée par ce mec qui cherche à en lui  imposer avec sa technique)

Elle : 12 ans.

Lui : 14 ans.

(dialogue saisi à la volée dans la routine photographique des gamins d’aujourd’hui)

La pratique amateur de la photographie

 

Les images dans la société – chapitre 17

Aujourd’hui, l’emprise de la photographie est devenue si forte et, surtout, elle s’est tellement intégrée aux rituels familiaux, qu’il n’y a pour ainsi dire pas d’anniversaire digne de ce nom sans photographie, sans parler des mariages qui comptent désormais presque autant de photographes que d’invités. De même qu’il n’y a pas de vacances réussies sans une ou plusieurs pellicules de photos rapportées pour montrer aux autres ou remplir l’album. L’arrivée sur le marché des appareils numériques ne fait que renforcer cette compulsion à photographier puisqu’il n’y a plus aucune contrainte de pellicule et qu’on peut disposer de ses photos sans les avoir développées.

Télécharger l’intégralité du chapitre.

TABLE DES MATIÈRES DU LIVRE

Pour des compléments indispensables et actualisés sur les transformations de la photographie de famille depuis l’essor des technologies numériques, je renvoie au livre de la sociologue Irène Jonas : Mort de la photo de famille. De l’argentique au numérique, Paris, L’Harmattan, 2010.