La semaine prochaine, j’interviendrai dans le cadre des journées interdisciplinaires organisées par des collègues géographes, sociologues, anthropologues, architectes de l’université de Lausanne.
Le programme complet est disponible ici.
C’est une nouvelle journée d’études qui se déroulera à l’Université Paris Est le 13 février prochain.
Voici un lien pour en consulter le programme.
Université Paris-Est Marne-la-Vallée, Bâtiment Bienvenüe
14-20 Bld Newton, Champs-sur-Marne
Salle B021/B023
A partir de 9 h 30
Les 6 et 7 mai prochains aura lieu à l’Université Laval de Québec un colloque consacré au thème ” Récits d’images. Explorer le social par les artefacts visuels“.
J’aurai le plaisir d’y donner une conférence en clôture de ces deux journées, organisées par l’ACFAS (Association francophone pour le savoir).
La participation à un enterrement vient de me donner l’occasion de réaliser qu’il s’agissait d’un rituel sans images, et en particulier sans photographies. Contrairement à la plupart des rituels qui scandent la vie depuis la naissance, tous copieusement photographiés, les obsèques se déroulent sans que personne ne sorte d’appareil photo. Du moins les obsèques des gens ordinaires. Car il en va tout autrement avec les enterrements de célébrités : dans ce cas, l’image est omniprésente pour montrer les célébrités venues rendre hommage à la célébrité défunte.
La seule présence photographique est celle, désormais, du portrait du défunt présenté sur son cercueil pendant la cérémonie religieuse, puis transporté au cimetière en même temps de son cercueil. Sinon, l’ensemble du rituel se déroule sans laisser aucune trace photographique ni filmique.
Est-ce lié à la signification symbolique de l’enterrement qui vise à opérer la séparation avec la réalité physique du défunt et donc à le verser dans le registre symbolique du souvenir ? Mais cela est contredit par la floraison des images, de plus en plus photographiques, sur les tombes, comme j’ai pu le constater dernièrement dans des cimetières vendéens. Contredit également par la profusion photographique qui caractérise les autels domestiques dédiés aux personnes décédées.
N’est-ce pas dû plutôt à nos conventions du deuil et du chagrin qui interdiraient d’en fixer des images (mais la peinture religieuse en est pleine), ou encore qui, dans de telles circonstances, font de chacun une anti-thèse du sujet photographiable ? Pourtant les larmes sont l’un des signes émotionnels les plus forts, au moins autant que le sourire.
Quelles qu’en soient les causes, voici donc un rituel important qui se déroule sans image et ne laisse pas de trace.
Complément du 22 novembre 2012 :
Par coïncidence, je suis tombé hier soir dans Télérama sur un petit article qui traitait d’un nouveau service proposé par le crématorium du Père Lachaise : les obsèques filmées à l’intention des personnes qui ne peuvent pas y participer du fait de leur éloignement géographique.
Voici une image mystérieuse et trois improvisations libres trouvées en bordure de l’océan à Notre-Dame de Monts.
La première semble être une forme de création in situ encouragée, voire commandée par la municipalité, dans la mesure où elle apparaît sur des supports installés en bonne et du forme, et que plusieurs variations du même motif se rencontrent en d’autres endroits de la commune. Mais le message, l’intention demeurent énigmatiques.
Les trois détournements sont clairement des improvisation sauvages sur des panneaux de signalisation routière.
 |
 |
 |
“Como pensam as imagens” : tel est le titre du nouveau livre que vient d’éditer au Brésil Étienne Samain, professeur collaborateur à l’université de Campinas, près de Sào Paulo. La présentation de cet ouvrage collectif et sa table des matières sont accessibles ici pour ceux à qui la langue portugaise est accessible.
Pour ma part, j’y ai apporté ma contribution avec un petit texte intitulé “Le silence des images”. Je le donne ici dans sa version française, en remerciant chaleureusement Étienne Samain et Ronald Entler pour leur traduction en portugais :
A proprement parler, les photographies ne disent rien puisqu’elles ne recourent ni à la parole ni à l’écriture. On les voit, on les regarde, mais on ne les entend pas, pas plus qu’on ne les lit. Elles restent muettes. Encore faudrait-il trouver un meilleur qualificatif car celui-ci fait trop référence à la privation de la parole : être muet, c’est ne pas pouvoir parler. Les photographies voudraient-elles parler sans pouvoir le faire ? Rien n’est moins sûr. Les qualifier de « silencieuses » serait peut-être plus approprié parce cette épithète désigne un état (le silence) plutôt qu’un manque.
Et pourtant, cette caractéristique des photographies de proposer une vision en silence est constamment battue en brèche par tous ceux, très nombreux, qui veulent leur faire dire quelque chose. Communément, chaque cliché est accompagné d’une « légende » qui nous indique ce que nous devons y « lire » (en latin, legenda signifie « ce qui doit être lu »). Tout aussi communément, nous lisons la légende avant de regarder la photo et, du coup, nous avons tendance à y « re-connaître » (sans même parfois en rien savoir) ce que ce texte liminaire nous incite à y voir. Des manuels, des programmes scolaires ambitionnent de nous apprendre à « lire les images », comme si le visuel ne pouvait être compris qu’en se réduisant à du textuel. Parmi les critères de choix des clichés destinés à la presse figure en bonne place l’impératif d’être « lisibles », ce qui veut souvent dire qu’ils doivent être compréhensibles au premier coup d’œil. Même le slogan, apparemment élogieux, qui ressasse qu’une image vaut bien mille mots, continue de prendre le texte comme seule mesure de leur valeur. Quant aux photographies qui s’évadent des contextes commerciaux de publication, comme la presse ou la publicité, pour gagner les horizons jugés plus prestigieux des galeries ou des musées, elles troquent la « légende » pour un « titre », qui ambitionne d’en faire des œuvres à part entière. Mais c’est là encore un texte, y compris lorsqu’il se refuse à intituler, comme dans la version minimaliste, aujourd’hui très répandue : « Sans titre »1.
Sur le plan intellectuel, les sémiologues, dans la foulée de Roland Barthe, ont étendu à l’analyse des images les outils forgés par la linguistique depuis Benveniste. Significativement, leurs images de prédilection sont toujours les clichés publicitaires qui s’efforcent de donner forme à des idées-forces, à des slogans, de la manière la plus « parlante » possible. En matière d’histoire de l’art, l’iconographie de Panofsky et de ses successeurs explore les clés symboliques qui, sous l’emprise d’une conception longtemps rituelle ou opératoire de l’art, ont présidé à la composition de tant d’œuvres depuis les origines. Dans cette optique, qu’elle soit sémiologique ou iconographique, les images signifient forcément quelque chose : un chien évoque la fidélité, une contre-plongée une vision exaltante. On ne se contente pas de regarder les images, on cherche à les comprendre, comme on le ferait d’un rébus ou d’un texte crypté. Il n’y aurait rien de décisif à faire « devant l’image », pour reprendre l’expression de Georges Didi-Huberman2, ni par l’image, puisque celle-ci serait forcément destinée à s’effacer devant la signification, enfin exprimable par des mots, formulable, inscriptible. Bref, les images ne seraient qu’un détour pour revenir au texte.
C’est sans tenir compte de l’intention des producteurs d’images.
Prenons un photographe3. Voici quelqu’un qui se sert de son regard et d’un appareil pour donner forme à ce qu’il voit. Il choisit ensuite de montrer ses images sans rien en dire, sinon le strict minimum (le lieu, la date de prise de vue), parfois même pas. Il ne détaille pas ce qu’il a réellement vu, en particulier ce qu’il a vu d’autre que ce qu’il montre. Il n’explique pas davantage pourquoi il le donne à voir ainsi et pas autrement. A bien y réfléchir, la communication de ses photographies est « mutique », en ce sens qu’elle se refuse à la parole. Un photographe est quelqu’un qui ne veut pas parler. Il préfère le silence des images. Ou peut-être pas : il évolue, il travaille tout bonnement dans le visuel, pas dans le textuel. Un intellectuel peut-il vraiment comprendre qu’on ne recoure pas, qu’on ne revienne pas forcément au texte ? Qu’on opte pour le registre des images sans ressentir pour autant la privation des mots ? Qu’on puisse passer sa vie à composer des images sans éprouver le besoin d’en parler ?
Bien sûr, les situations réelles sont rarement aussi tranchées. Certains photographes parlent (un peu) de leur démarche, surtout lorsqu’ils sont consacrés et qu’ils reviennent sur leur œuvre, ou qu’ils se sont forgé un style qui leur sert de marque de fabrique. Ils fournissent alors quelques arguments pour en affirmer la pertinence. Mais c’est rarement très approfondi et ça n’explique pas grand-chose. Même les plus savants, les plus autonomes dans leur création, comme Cartier-Bresson par exemple, ne livrent pas les clés de leurs images, pourtant composées à l’extrême. Ils en préservent le mystère et, selon eux, la magie. Prudence de faiseurs d’effets qui ne souhaitent pas dévoiler leurs secrets ou bien méfiance par rapport au langage qui n’exprimerait pas ce qu’ils s’efforcent de faire ressentir ? « Ça se passe de commentaire », serait pour eux le meilleur compliment. Des images mutiques à contempler en silence.
Enfin, certains photographes ont basculé du côté du texte, comme Raymond Depardon ou encore quelques photo-reporters qui ont publié récemment des livres écrits à la première personne, voire des bandes-dessinées qui substituent le dessin à la photographie4. Ils entendent parler de ce qu’ils ont vécu, vu, mis en images, de ce qu’ils n’ont pas représenté dans ce qu’ils voyaient ou éprouvaient. Ils passent des images au récit de leur histoire personnelle. Devenus écrivains, dessinateurs ou cinéastes comme Depardon, ils ne conçoivent plus l’image sans le texte et bénéficient, de ce fait, d’une reconnaissance critique importante, précisément parce qu’ils font valoir qu’il n’y aurait pas de salut hors des mots. Du même coup, les images se trouvent renvoyées à leur incomplétude, à leur mutisme revêche, et les intellectuels confortés dans leurs certitudes, drapées de supériorité depuis Platon.
Et si ce mutisme avait quelque chose d’essentiel à nous apprendre, à nous faire découvrir ?
C’est trop souvent une métaphore qu’une réalité, mais on peut tout de même imaginer que le photographe qui sort son appareil photo se met dans un état de disponibilité visuelle propre à lui faire voir des choses dont il ne sait rien, à débusquer de l’inconnu. A leur tour, les clichés qu’il rapportera pourront transmettre à d’autres ses propres surprises, ses révélations. Pour peu que ces derniers prennent réellement le temps de regarder ses images.
Là encore, ce n’est peut-être qu’un cliché, mais le photographe doit s’approcher de son motif pour être en mesure de le photographier. Il a besoin de cette proximité physique, qui impose la présence des choses et fait entrer dans le détail. A l’inverse des idées, qui sont souvent conçues de loin, les photographies se prennent de près, parfois même de très près. Elles s’impriment dans l’approche. Elles participent d’une démarche d’exploration, féconde bien que (ou parce que) incertaine.
Prendre le temps de photographier, c’est s’accorder du temps pour fixer un premier aperçu des choses, sans chercher à aller plus loin, mais sans vouloir non plus en rien perdre. Voir, regarder, décrire ce qui s’offre à nous, dans l’instant présent, sans se laisser aussitôt happer par des associations d’idées, des réminiscences, des hypothèses, qui nous en éloignent. Sans chercher aussitôt à comprendre. Rester au plus près du réel, particulièrement lorsqu’il nous surprend, lorsqu’il ne vérifie pas docilement ce que nous sommes prêts à en penser.
Vu de près et sans se presser, le réel se dérobe aux visions simples. Il regorge de détails discordants. Le chien que l’on aperçoit sur la photo n’est nullement une métaphore de la fidélité, comme dans les tableaux classiques ; c’est un animal qui traversait à ce moment-là. Faut-il le gommer pour restituer à l’image la netteté que l’on pré-voyait ? La photographie nous sert constamment de ces encombrements comme autant de rappels au réel.
Le mutisme de la photographie a quelque chose de buté, aux antipodes des tournures déliées de l’intelligence abstraite. Cette manière de résister en silence la dessert, et nous passons trop vite sur ces images qui ne veulent rien dire. Mais son mutisme recèle en même temps une grande force, faite de circonspection et de vigilance dont nous pourrions nous inspirer pour ne pas penser trop vite ni trop en dehors du réel.
En flânant dans des villes ou villages que je ne connaissais pas, j’ai pu observer à plusieurs reprises des documents destinés à la communication, commerciale, municipale ou autre, illustrés par des visuels – je n’ose parler d’images – d’une qualité moins que médiocre. Visuels manifestement récupérés sur internet avec une résolution trop faible pour assurer une impression correcte en grand format, mais utilisés tout de même en fond de texte, malgré la grossièreté des pixels. Ici, c’est une agence immobilière qui en a fait l’arrière-plan de son affiche de présentation ; ailleurs, c’est un centre culturel qui en illustre l’une de ses annonces ; etc. Comme s’il fallait de l’image à toute force, peu importe comment. Mais certainement pas à tout prix puisque ces illustrations sont probablement récupérées sans frais. Bref, peu importe le pixel du moment qu’il est gratuit.
Au sortir d’une visite touristique effectuée sous une chaleur accablante, j’offre une glace à mes enfants. Ils choisissent des glaces Haribo, la nouveauté de cet été, paraît-il. Avant même de l’entamer, je vois ma fille s’affairer avec son téléphone portable. En moins de temps qu’il n’en faut pour le dire, elle a photographié sa glace et en a envoyé la photo à ses copains pour qu’ils apprennent aussitôt qu’elle goûte une glace Haribo. Le scoop !
Je reste sidéré par l’immédiateté de ce type de réaction, par son efficacité et son naturel (elle était interloquée par ma surprise). Je comprends mieux maintenant certaines publicités montrant par exemple un jeune homme qui trouve le moyen de louer une voiture de standing pour épater sa belle dans les quelques secondes qui annoncent l’échange de leur premier baiser. C’est du vécu !
A 15 ans d’intervalle, un changement de machine à laver fournit un aperçu concret des modifications apportées par les fabricants à l’ergonomie et à l’apparence des appareils électroménagers.
Machine 1 :
Les commandes sont mécaniques et les repères textuels. Les différents programmes sont repérés par des lettres majuscules, explicitées sur le front de la machine.
Machine 2 : Les commandes sont devenues électriques. Les phases successives d’un même programme sont formalisées par des icônes éclairées, qui clignotent tant que la phase considérée n’est pas achevée. D’autres informations, comme le temps qui reste, sont affichées électroniquement. La molette de sélection des programmes est elle-même entièrement lumineuse (je passe sur le son harmonieux qui accompagne l’allumage de la machine). Bref, ces nouveaux appareils sont à la fois imagés et lumineux, comme s’il importait avant de tout de pouvoir lancer une nouvelle lessive ou de repérer sa machine dans le noir…
 |
 |
Le recours aux images ne répond pas au souci d’économiser la traduction d’une langue à l’autre, comme on pourrait s’y attendre de la part de multinationales vendant les mêmes modèles dans le monde entier. En effet, elles sont ici traduites en français pour être sûr qu’elles soient bien comprises. Elles semblent donc remplir une fonction plus décorative qu’utilitaire, leur registre esthétique étant probablement celui des écrans d’ordinateurs avec leur lot d’icônes faisant office de raccourcis.
Il est agréable de se sentir salué par sa machine au moyen d’une charmante mélodie et d’un éclairage de son tableau de bord qui, l’espace de quelques secondes, la fait ressembler à un arbre de Noël. Mais aussitôt après surgit la même question (dans mon esprit, tout du moins) : à quoi ça sert ? Étant donné la complexité de fonctionnement de ces nouveaux appareils, il est hors de question d’imaginer déconnecter les circuits électriques qui alimentent ces multiples diodes euphorisantes. Hors de question donc d’économiser l’énergie que le fabricant a décidé de nous faire dépenser en pure perte : notre ligne en sortira-t-il plus propre pour autant…?
Devant l’obstination attirante de ces nouvelles machines du quotidien à gaspiller une partie de l’énergie que leurs performances inégalées sont censées par ailleurs nous faire économiser, je repense à cet article lu récemment qui établissait un parallèle entre notre “société d’opulence énergétique” et la chute de l’empire romain, effondré faute d’avoir pu continuer à piller dans le reste du monde d’alors les ressources nécessaires pour entretenir son haut degré de complexité. Avons-nous réellement besoin de machines aussi complexes ?
Les Presses universitaires de Rennes (PUR) et les Éditions Atlantique viennent de publier les actes du colloque Images du travail, Travail des images qui s’était déroulé du 3 au 5 novembre 2009 à l’Université de Poitiers.
Pour une présentation plus complète de l’ouvrage, voir sur le site des PUR.
Capture d'écran du site de L'Alsace.fr
Ce sont des propos entendus hier soir sur France Inter : un commerçant, victime une nouvelle fois des inondations dans le Var, disait : “Ce sont les même images” que la fois précédente. Je m’attendais à ce qu’il déplore les mêmes dévastations, la même situation, qu’il exprime le même sentiment d’accablement ou de désespoir. Bref, qu’il invoque la réalité de ce qu’il vivait ou sa manière d’y réagir. Non, c’était une question d’images. On aurait cru un journaliste, comme celui de ce matin qui entamait son reportage en évoquant, lui aussi, la récurrence des mêmes images déjà tant vues dans cette région à pareille époque.
Je suis frappé par l’incrustation de cette référence aux images dans les récits des individus qui témoignent des épisodes les plus traumatiques de leur vie. Comme si l’exceptionnel du vécu touchait forcément au registre des médias (qui sollicitent ces témoins), voire du cinéma.
Il est vrai que, sur ce type de catastrophe, les médias produisent toujours les mêmes images, et cela depuis que la photographie a permis à la presse de visualiser l’actualité.
A Drummondville, entre Montréal et Québec, la principale attraction est un “village d’antan“, qui propose la reconstitution d’un village québécois du XIXe siècle, avec des maisons en bois d’époque restaurées, des intérieurs reconstitués fidèlement et des personnages vivants qui expliquent sans relâche aux visiteurs, avec une bonhommie inépuisable, quelle était leur vie et leur activité à l’époque.
Par souci, j’imagine, de diversifier la visite, les activités artisanales sont privilégiées : la plupart des corps de métier ruraux sont représentés, alors que les maisons de paysans se réduisent à une seule ferme. Au fond, il s’agit plus d’un bourg, fort de 56 maisons, que d’un simple village.
Au sein de ce catalogue d’habitations du XIXe siècle, le contraste est frappant entre l’immense majorité des maisons qui sont de simples logis et ateliers dont la décoration se réduit à quelques images pieuses accrochées sur des murs nus, et les quelques demeures plus cossues (3-4 sur l’ensemble) : celles du boulanger, de l’apothicaire, du sacristain et la première résidence d’un évêque natif de ce village (extraordinairement riche en comparaison de toutes les autres). Car c’est seulement dans ces dernières que l’on trouve quelques gravures ou tableaux, des bibelots et des photographies.
Même si cette reconstitution d’un bourg rural n’est probablement pas représentative de l’habitat rural ordinaire de cette époque, elle permet cependant d’appréhender concrètement la rareté des images dans les campagnes du XIXe siècle, hormis dans le registre obligé de l’imagerie religieuse1.
Étonnamment, on y trouve la reconstitution d’un atelier de photographie, qui attire les visiteurs parce qu’il leur propose la réalisation de leur portrait en costume d’époque, au moyen… d’un appareil numérique et d’une imprimante à jet d’encre. La photographe – une femme en costume, qui a tout l’air de sortir de l’ancien temps – retravaille immédiatement les clichés sur son appareil pour leur donner la teinte sépia et les craquelures de photos centenaires. 12 dollars canadiens le portrait !
Pour leur faire prendre conscience de l’omniprésence des images dans notre vie quotidienne, bien au delà de ce que nous en percevons au premier regard, j’incite mes étudiants à réaliser des inventaires d’images dans leur environnement coutumier en prêtant attention aux moindres motifs iconiques qui se greffent désormais sur la plupart, pour ne pas dire la totalité, des messages qui nous entourent.
Je viens de réaliser cet exercice sur une brique de jus de fruit qui m’a semblé exemplaire de cette surcharge d’images qui encombre désormais le moindre espace de communication. Une brique de jus en est un, particulièrement lorsqu’il se pare d’une vertu (jus bio) et d’une vocation (former les enfants aux gestes qui préservent l’environnement).
Sur cet emballage, j’ai dénombré 33 images distinctes : photographies, dessins, dans des combinaisons diverses, pictogrammes ; isolées ou liées à un élément textuel (comme dans la marque Pressade ou encore le logo AB). La plupart sont destinées à rendre le conditionnement de ce jus de fruit attractif pour les enfants. Mais aussi à lui apprendre les bons gestes :
comment replier la brique avant de la jeter dans la poubelle adéquate, 
et au delà savoir distinguer les différents pictogrammes relatif à la destination des emballages. Car le langage des images codées s’apprend.
Flous romains
Ma fille rentre d’une semaine de voyage scolaire à Rome. Crevée et peu enthousiaste (“Fallait marcher”, Rome, c’est plein de “tas de pierres”), elle a rapporté quand même des photos des sites visités, à la demande expresse de sa mère, il est vrai, sans quoi il est très probable que les autoportraits et les photos de ses copines auraient constitué l’essentiel de ses souvenirs photographiques de ce voyage peu mémorable à ses yeux (un tiers seulement, cette fois-ci sur un total de près de 350 clichés – à noter que l’appareil photo faisait partie des objets recommandés par les enseignants organisateurs du voyage).
Prenant ces photos “touristiques” sur le mode du pensum, dans le contexte de visites au cours desquelles j’imagine que leurs professeurs s’employaient à éviter la dispersion de leurs groupes, à faire recoller les retardataires, tout en dispensant les éléments de connaissance qu’ils jugeaient indispensables de transmettre en pareil cas, ma fille a pris beaucoup de photos à la volée, par acquis de conscience, histoire de…, il en restera bien quelque chose… Ce qui donne un reportage surréaliste sur les hauts-lieux de Rome, revisités par un œil distrait qui glisse sur les monuments sans les regarder, plus vite que le temps nécessaire à la prise de vue. Le résultat est détonant et du même coup intéressant sur le plan esthétique. Il nous montre Rome sous un jour différent, capté par l’œil mécanique d’un appareil photo manié par une jeune fille indifférente à ce qu’elle voit, absolument pas impressionnée par la valeur culturelle consacrée de ces lieux, pour laquelle des millions de touristes se déplacent du monde entier. Un sorte de “flou artistique”, pourrait-on dire si la préoccupation de l’art était présente. Mais justement, elle en est totalement absente.
°°°
Environnement dédié
Mon fils aîné (bientôt 15 ans) a invité hier soir son ami Tom à venir dormir à la maison. Sitôt arrivé chez nous, ce dernier s’emploie à connecter sur internet son Ipod Touch pour montrer une vidéo d’un groupe de filles qui chante une chanson “trop puissante”. L’opération lui prend du temps car il faut se raccorder au wi-fi local, ce qui ne va pas de soi. Mais il y parvient, après plusieurs essais infructueux – pour réussir ce genre d’opération essentielle, les adolescents ont une obstination et une persévérance qu’on ne leur connaît pas pour grand-chose d’autre. Une fois l’engin connecté, il accompagnera toutes les allées et venues de Tom qui ne s’en sépare jamais, hormis pendant la durée du repas.
Puis, une fois la table débarrassée, il sort le DVD d’Inception qu’il a apporté pour le visionner avec mon fils au cours de la soirée. Je les soupçonne d’avoir clairement prévu la chose avant de nous annoncer cette invitation impromptue : pour ce genre d’initiative, nos adolescents font preuve d’un sens de l’anticipation et de l’organisation sur le pouce que nous leur connaissons rarement pour autre chose… Tom est un gamin qui possède tout ce dont un ado peut rêver : Play Station, Nintendo DS, jeux vidéos sur ordinateur, plusieurs Ipod, au point même d’en revendre un parce qu’il n’en a pas l’usage. Son père est un mordu d’ordinateur et de jeux vidéos. Tom va voir à leur sortie tous les films dont parlent les médias et ses parents achètent quantité de DVD.
Il lui paraît donc normal de se déplacer avec son environnement technologique et visuel habituel pour transposer ailleurs que chez lui l’univers d’images dont il l’habitude chez lui. Un peu comme ces systèmes en ligne dits “nomades” qui permettent désormais de disposer de son environnement de travail informatique partout où l’on se trouve. Mon fils applaudit car il n’a ni Ipod Touch, ni consoles de jeux (à part une Nintendo obsolète qu’il ne touche plus depuis plusieurs années) et que nous n’achetons pas de DVD de blockbusters américains. Heureusement que Tom vient “dormir” quelquefois à la maison.
Pour d’autres billets restituant des observations sur le rapport aux images des enfants ou adolescents.
Je reprends actuellement un thème qui m’est cher, le portrait, à l’occasion d’un cours que j’assure à l’Université de Nantes. De fait, j’ai proposé ce cours pour reprendre ce thème sur lequel j’ai déjà accumulé quantité de documents, mais n’ai malheureusement pas pu encore finaliser grand-chose ; à la manière un peu de Roland Barthes qui disait en substance : “Vient un temps où l’on enseigne ce que l’on ne sait pas encore. Cela s’appelle la recherche.” Parti du projet d’explorer le domaine spécifique du portrait photographique, j’ai éprouvé le besoin de remonter plus avant dans l’histoire et la sociologie de l’art pour mieux appréhender les héritages reçus par la photographie dès son invention. L’objet de mon cours actuel est précisément d’ébaucher une histoire sociale du genre artistique du portrait (résumé).
A cet effet, je reprends, développe, renouvelle, des notes prises depuis 15 ans, mais également des références iconographiques consignées ici ou là au hasard de mes lectures sur le sujet. Ce faisant, je mesure à quel point nos façons de travailler ont changé au cours de cette période.
Lorsque j’ai commencé à m’intéresser au portrait, essentiellement photographique, j’ai photographié les reproductions que je trouvais dans les livres. Les diapositives étaient alors la seule forme permettant la projection dans le cadre des cours. J’avais acheté un banc repro pour être en mesure de réaliser des clichés de bonne qualité et j’en ai ainsi fait plus de 1200 en quelques années. Une base de données informatique me permettait de tenir en continu le catalogue de ces diapos afin de pouvoir les retrouver en cas de besoin.
Au début des années 2000, la découverte des scanners et du logiciel Powerpoint m’a conduit à commencer à numériser directement les illustrations des livres, sans plus passer par la prise de vue photographique. Mon banc repro dort depuis dans la poussière d’une salle de rebut où gisent également plusieurs cadavres d’ordinateurs. Certaines de mes diapos ont été scannées pour s’intégrer à cette nouvelle économie numérique des images. Mais, peu à peu, j’ai délaissé mes classeurs de photos, encombrants, au profit d’une accumulation immatérielle d’images dans mon ordinateur.
La mise en ligne de mon livre sur Les images dans la société m’a placé dans une nouvelle perspective : celle de rechercher sur internet l’essentiel des illustrations. Aujourd’hui, les ressources iconographiques disponibles sur la toile sont de plus en plus importantes, d’une richesse souvent surprenante. Quand, de surcroît, on traite d’un domaine consacré comme l’histoire de l’art, internet semble presque inépuisable. Je le constate tous les jours : sauf exception, la moindre mention d’un tableau débouche sur plusieurs versions de reproductions. Dans mes notes d’il y a 15 ans, j’avais consigné des titres de tableaux, des noms de peintres, sans avoir vraiment l’espoir d’en découvrir une image faute de pouvoir passer des jours en bibliothèque pour les dénicher. Je précise que Nantes a beau être une grande ville culturelle, ses ressources documentaires physiques restent limitées par comparaison avec celles qu’on trouve à Paris. Aujourd’hui, cet obstacle est en grande partie levé grâce à internet et je profite à plein des catalogues américains, anglais ou… brésiliens. Je n’éprouve plus forcément le besoin de rapatrier les images sur mon disque dur du moment que je sais où les trouver. L’accumulation le cède à la mise en relation. C’est d’ailleurs aussi ce qui se passe sur Culture visuelle par la mise en commun de nos images.
Au final (mais rien n’est fini…), en l’espace de 15 ans, mes manières de travailler ont considérablement changé, concrètement, techniquement, et les ressources dont je dispose se sont immensément développées. Le confort et la richesse du travail s’en trouve décuplée.
“Soyons honnêtes, le G20 n’intéresse pas grand-monde. On en reparlera à deux reprises quand les sommets de Deauville (en mai) et de Cannes (en novembre) feront de belles images.”
(Chronique économique de Dominique Seux sur dans le 7-9 de France Inter)
Capture d’écran du site http://www.actustar.com/images/1898/la_semaine_des_people_en_images_3.htm
